Tema 1 Lunes, Nov 30 2009 

En el primer tema vimos los distintos conceptos que podíamos sacar de forma personal acerca de la educación artística. Entre otros contenidos, pudimos deducir entre todos:

Expresar/trasmitir.
Conocimiento de si mismo (Obra = espejo).
Interpretar la realidad.
Lenguaje universal / Lenguaje personal.
Saber hacer / Utilizar medios / Habilidades.
– Compartir sentimientos y puntos de vista.
– Conocer lo que es realmente el arte.

Personalmente pienso que a través del arte podemos desarrollarnos tanto sentimental como culturalmente. El pintor/escultor/fotógrafo…puede mostrar a los demás su forma de ver las cosas, sus experiencias personales y que situaciones le han llevado a ser como es en el presente.

Existen muchas ciencias como las matemáticas o la astronomía, que sólo pueden aportarnos conceptos teóricos que, aunque pongamos en práctica todos los días, lo único que nos aportan es una base para resolver “problemas” o tener un poco más de cultura. Sin embargo, con el arte aparte de obtener ese plus de cultura, somos capaces de transmitir, de aportar nuevas ideas, formas de comunicarnos, expresar. Lo que es en resumen, desde una visión más simplista, una ciencia en continuo crecimiento y que se rige por las tendencias o situaciones de cada época.

Otros conocimientos vistos en clase fueron los tres modelos:

Modelo A) Se necesita gente que sepa dibujar (Ingenieros, arquitectos…) para hacer máquinas, edificios, etc…

En  un principio, mis compañeros y yo dimos una definición sobre lo que  creíamos que era la educación artística:

1) Expresar y trasmitir lo que es el arte de dibujar.

2) Conocer lo que realmente es el arte.

3) Conocer la creatividad e imaginación.

4) Conocimiento de si mismo.

5) Interpretar la realidad.

6) Lenguaje universal.

7) Saber hacer/utilizar medios /habilidades.

8) Compartir sentimientos y puntos de vista.

9) Trabajos manuales.

10) Destrezas plásticas.

11) Desarrollo sentimental.

12) Desarrollo cultural.

13) Conocimiento a través  del arte que no se dan en otras asignaturas.

La concepción más antigua de la educación artística la podemos encontrar en el siglo XVIII. Busca que los alumnos aprendan Dibujo (artístico y técnico) y otras destrezas artísticas. Se basa en hacer cosas bien hechas técnicamente y/o que sean estéticas (“objetos bellos“). Suele basarse en la copia y reproducción de modelos o de la realidad (“mimetismo”). Relacionada con el desarrollo de una capacidad estética.

Las ventajas e inconvenientes que podemos encontrar a lo largo de este modelo son:

Algunas ventajas de Dibujar y usar técnicas artísticas:

– Ayuda a dominar la psicomotricidad fina (más en Primaria que en otros niveles…).

– Desarrolla la capacidad de planificación, orden y autocrítica.

– Desarrolla la visión espacial.

– Refuerza la capacidad de atención.

– Desarrolla la apreciación y la expresión estética.

– Utiliza el lado derecho del cerebro.

– Aprendizaje instrumental y propedéutico instrumental.

Los inconvenientes que podemos encontrar a lo largo de este modelo son:

– En los preadolescentes podemos encontrar  una actitud negativa hacia dibujar.

Hay muchos tipos de imagen, y aunque una esté mejor dibujada la otra, también es arte ya que ambas pinturas intentan expresar un mensaje.

– No es imprescindible saber copiar ni desarrollar destrezas miméticas. 

– El objetivo de las Artes no tiene por qué ser la belleza ni la excelencia técnica.

– Hay muchas maneras de ver la realidad y de pintar o dibujar.

– Los alumnos pueden trabajar de maneras distintas.

– La estética en gran medida es algo cultural, circunstancial.

– Es necesario que el niño desarrolle habilidades manuales, pero también la creatividad, la capacidad de narrar, de investigar, la capacidad crítica, etc. Si no, su desarrollo será pobre.

– Hacer no es garantía de comprender.

– Una gran cantidad del saber relativo a las imágenes y la visualidad exige procesos de reflexión y aprendizaje complejos.

Desde mi perspectiva este modelo de educación me recuerda a los ejercicios típicos de la etapa primaria en la que el profesor nos enseñaba  a dibujar una serie de elementos mediante los cuales teníamos que realizar una copia exacta de ese modelo.

Modelo B) Tenemos que aprender a desarrollar el lado sensible. Se descrubre el arte infantil; aquel que no está contaminado. (Siglo XIX)

En este modelo de autoexpresión, los autores tienen un cierto interés por aprender  a crear y buscar la creatividad para alcanzar el grado máximo de este punto. Con este modelo podemos apreciar que los artistas no buscan imitar o autorretratar las obras seleccionadas de otros pintores. También se basa en el descubrimiento del arte infantil.

Las ventajas e inconvenientes que tenemos a lo largo del modelo de educación son:

Las ventajas son que permite a los alumnos expresarse libremente sin seguir un patrón determinado.

– Es necesario fomentar en los estudiantes que aprendan a expresarse y a apreciar sus propias creaciones

– Para cualquier persona, el arte y el dibujo son medios para conocer y narrar. Es importante que los alumnos sepan usarlos para narrar: para construir historias y reflexiones con sentidos, para contar cosas

– Y tenemos que fomentar que sean creativos, que busquen soluciones diferentes, originales, propias y que no sean soluciones irreflexivas o superficiales , sino que tengan un sentido reflexivo.

– Las artes ayudan a desarrollar el pensamiento divergente imprescindible para ser autónomo, creativo y libre en cualquier campo de la vida y del saber.

Un error importante del modelo de autoexpresión era pensar que los niños y adolescentes se expresaban espontáneamente.

Como en cualquier otra materia, aprenden más si un adulto, les hace trabajar en su zona de desarrollo próxima (lo mismo ocurre con los adultos poco adiestrados):

– Por ejemplo, proporcionando al estudiante herramientas y técnicas para que enriquezca su modo de expresarse.

– Enseñándoles a mirar con más atención, a reflexionar sobre lo que ven.

– Enseñándoles a enriquecer su “vocabulario plástico”, enseñándoles cómo se construyen los colores, el espacio, etc…

– Mostrándoles obras de pintores, escultores, fotógrafos, etc. donde ellos vean y comprendan cómo se pueden hacer las cosas. A veces puede ser muy bueno que interpreten obras de estos artistas.

Los inconvenientes son los siguientes:

– Los niños no son siempre espontáneos, que tienen en su mente una serie de estereotipos los cuales marcan su forma a la hora de dibujar.

– Si los alumnos tienen que expresarse “en libertad” y sin ser dirigidos, ¿para qué hace falta el docente?

– Falacia del “artista nace, no se hace”: si dibujar es un don, entonces es inutil intentar enseñar a los que no lo tienen.

– El desarrollo de la creatividad exige aprender a plantear y solucionar problemas nuevos, a buscar lo desconocido.

– Muchas cosas no son creativas, ni autoexpresivas, y son necesarias.

Modelo C) Iventado en los 80. Basado en el lenguaje (Punto, línea, plano…). Se cree que si sabes leer todos estos datos, sabes leer todas las imágenes.

Las ventajas de dibujar y usar técnicas artísticas son las siguientes:

– Desarrolla psicomotricidad fina.

– Desarrolla la capacidad de dibujar.

– Aprendizaje instrumental y propedántico.

La percepción, que implica un cierto grado de afectividad, imparte unos modos de pensar, modelos y patrones que implica hábitos y formas de actuar.

– Afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes (punto, línea, color, etc…).

– Hay que educar al niño como consumidor de imágenes.

– Es importante conocer el código de lo visual y “leer” los significados explícitos e implícitos de las imágenes.

– Aprovechó la traducción de libros muy importantes, pero escritos a veces décadas antes.

– Está ligado a una concepción de la imagen y lo visual.

Los inconvenientes que podemos encontrar en este modelo son los siguientes:

– Hay autores que niegan que el arte funcione exactamente como un lenguaje.

– Insiste mucho en los elementos de la imagen, en el conocimiento de los procesos formales más técnicos. Y eso no siempre ayuda a entender las imágenes. Saber cómo se han usado líneas o colores no suele hacernos comprender una obra. El “lenguaje visual” es fundamental en el diseño o en la creación de imágenes más técnica (fotografos cámaras, pintores, etc.) pero tiene menos importancia para la gente corriente.

– Hace una “lectura” muy automática de las imágenes, que a menudo ocultan su relevancia real o “lo que hay detrás”.

– Las personas no pueden ser concebidas como “consumidores” de imágenes porque las imágenes nos construyen y construyen la realidad.

– Las actividades diseñadas según este modelo (como hacer un circulo cromático), a menudo son aburridas, reiterativas, descontextualizadas y no tienen sentido para los alumnos: son una burla a su inteligencia.

Las ventajas de este modelo de educación son las siguientes:

– Conocer los elementos del “lenguaje visual” puede ayudar a entender mejor cómo se crea una imagen: cómo funcionan los procesos técnicos, cómo componer una imagen, como usar el color… (especialmente en niños mayores y adolescentes).

– Conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos (punto, línea, color, etc.) puede ser útil a veces, especialmente cuando trabajamos el Diseño, la pintura abstracta, la fotografía.

–  Tiene que ser un medio para comprender y saber hacer.

Modelo D)

– Surge al final del Siglo XX.

Se plantea una educación artística:

Más  significativa, que tenga más sentido para el alumno y aborde el mundo en el que realmente vive como los trabajos y demás elementos de la educación.

– No trata de leer una imagen, sino de  comprenderla críticamente, en profundidad. Y que la interpretación puede cambiar dependiendo del momento histórico, la cultura desde la que se miran, e incluso dependiendo de cada uno.

– Promueve que el alumno investigue y busque sus propias interpretaciones y producciones de lo visual, pero siempre  a partir de una documentación seria rigurosa y amplia.

– El alumno no es consumidor de imágenes,que construyen la realidad, la interpretan y la simbolizan. Las imágenes influyen en su identidad y en su modo de ser/comportarse.

– Las imágenes construyen la realidad, la interpretan  y la simbolizan. Las imágenes influyen en su identidad y en su modo  de ser/comportarse. Pueden afectar a su libertad  y a su criterio. Por eso es necesario saber que hay detrás de las imágenes  y aprender a convivir críticamente con ellas.

Introducción a la asignatura Lunes, Nov 30 2009 

En la primera clase empezamos viendo los conceptos básicos para guiarnos en el mundo de la educación artística. Pocas reflexiones se pueden obtener de dicha presentación.

Conocimos los siguientes conceptos:

Punto: Unidad mínima que podemos representar en un papel. Dependiendo donde se coloquen, tendremos más o menos tensión (A mayor tensión, mayor sensación de vida implica y más llama la atención).

Punto de equilibrio: Si se desplaza  provoca más o menos equilibrio y tensión.

Peso visual: Capacidad que tiene una forma para llamar la atención. Contra más lejos del centro, mayor peso visual y por consiguiente, mayor tensión. Lo que colocamos en la parte derecha pesa más que lo colocado en la izquierda (lo más pesado lo encontraremos en la esquina superior derecha y, por contra, lo menos pesado en la esquina inferior izquierda). Una figura incompleta da mucho peso visual. Véase a continuación una imagen donde podremos comprobar lo introducido anteriormente:

Norma de los tres tercios: Dividimos la imagen en nueve partes, de forma que lo más importante queda encuadrado en el centro, que es lo que suele llamar más la atención.

Sensaciones que transmiten las distintas líneas (sucesión de puntos en el espacio; se requieren mínimo dos para formar una línea):

– Línea horizontal: Muerte, sueño, el horizonte…


– Línea vertical: Línea del ser humano.


– Línea diagonal: Posee mucho peso y dinamismo.


– Curva: Aporta mucha tensión.


– Superposición o traslapo: Da profundidad.


– Tamaño: Da profundidad.


– Colores: Los chillones tienden a verse más cercanos.


– Situación: Cuanto más cerca está del horizone, más lejos se ve. Si no hay horizone, lo que esté más abajo da sensación de cercanía.


– Detalle o textura: Lo que tenga más textura, se verá más cerca.

ACTIVIDAD: Realizar una composición estática y otra dinámica.

– Composición estática: Punto de equilibrio en el medio, lo que provoca sensación de quietud.

 

– Composición dinámica: Al no existir un orden entre los puntos, provoca sensación de movimiento, dinamismo, más agresivo y por consiguiente más llama la atención.

Para la práctica siguiente, Jose Pedro nos mandó llevar fotos realizadas por nosotros mismos para analizarlas posteriormente en clase.

Una vez llegado el día, nos reunimos en el aula de informática de la universidad para comenzar la exposición de manera voluntaria. El primero en salir fue mi compañero Dani Prieto, que tuvo que explicar el significado de sus fotografías y que fin quería conseguir. No tuvo mucha suerte en las fotos seleccionadas, ya que le faltaban ciertos detalles a tener en cuenta.

A continuación fui yo mismo el que me lancé a exponer mis fotos seleccionadas. No lo hice tan mal como esperaba, aunque he de reconocer que muchas de los “aciertos” en mis fotografías fueron totalmente involuntarios.

En general, todos flojeamos en factores como la iluminación, el horizonte, contraste, etc…pero las correcciones realizadas en clase nos sirvieron para poder enmendar parte de estos errores y de paso aprender un poco más.

Estas fueron mis fotos elegidas para explicar en clase:

– En la primera imagen observamos la simetría que se alcanza en esta foto realizada al interior de mi coche:

– En las siguientes foto podemos comprobar como los elementos situados en primer plano dan mayor profundidad a los que se encuentran en el fondo de la imagen (superposición o traslapo):

– En la foto que muestro a continuación se puede observar como todo el peso visual recae en la parte izquierda de la foto, que suele ser la que menos posee ante elementos iguales.

– La siguiente imagen refleja como los motivos señalados en primer plano aparecen con mayor resolución de sus características identificables:

– Esta foto hace incapié en la perspectiva, ya que observamos como a medida que nos alejamos, vemos los árboles más pequeños. De la misma forma se establece una simetría entre la carretera y los árboles a uno y otro lado:

– En la imagen de la flor, podemos comprobar como sobre colores fríos como el verde, predomina el cálido:

– En la foto que muestro a continuación observamos la sensación de lejanía que implica fotografíar con la presencia del horizonte en la fotografía:

Hello world! Sábado, Nov 28 2009 

Probando nuevo blog 🙂